La culture en musique

La boutique en ligne officielle des labels Ed Banger et Institubes, associée avec de nouveaux labels étrangers, fait peau neuve et s’impose un peu plus comme la plaque tournante d’une contre-culture devenue art de vivre pour la jeunesse mondiale des années 2000. Emile Shahidi, créateur et gérant d’Arcade Mode, revient en détail sur l’aventure.

Comment est né le projet Arcade Mode ? Emile Shahidi : Vers 2003, j’ai monté une boutique en ligne destinée à la vente de T-shirts et d’objets en série limitée sous le nom Arcade Mode. La distribution d’Ed Banger et Institubes, deux labels amis, étant encore fragile, j’ai proposé à Pedro Winter et Teki Latex (leurs patrons respectifs, ndlr) de se servir d’Arcade Mode comme boutique en ligne officielle, sur le modèle des “stores” américains regroupant les labels de rap indépendants à la fin des années 90. L’enthousiasme suscité (chez les fans comme chez nous) par les premières sorties d’Institubes et Ed Banger nous a fait entrevoir un genre de renouveau de la scène club française à partir de 2005. On a donc essayé d’y contribuer au maximum comme un catalyseur parmi d’autres, afin de faciliter la visibilité de jeunes talents en province ou à Paris, et la floraison de vocations de producteurs ayant des affinités avec la musique des artistes que nous distribuions. On a donc pu y suivre l’apparition de nouveaux talents comme Justice, Surkin, Uffie, Para One, Bobmo, Sebastian et beaucoup d’autres...

Peux-tu présenter les grandes lignes de la nouvelle version du shop, ainsi que son activisme pour le vinyle ? Après une année d’hibernation entièrement dédiée à mes activités chez Institubes, je viens d’inaugurer la nouvelle version d’Arcademode.com où, en plus des labels français, nous accueillons de nouvelles familles comme Mad Decent (fondé par Diplo), Fool’s Gold (le label d’A-Trak), Phantasy Sound (celui d’Erol Alkan) ou Turbo (le label de Tiga). Ce sont des homologues et des amis chez qui nous retrouvons les mêmes velléités de développement d’une vision généraliste et indépendante. La prédilection pour le vinyle a été favorisée par le travail de talentueux graphistes et illustrateurs comme SoMe, Sanghon Kim, Akroe, Gaspirator ou Partel Oliva, qui ont complété l’oeuvre des musiciens et des labels en participant de manière très active à la définition de ceux-ci, très loin de l’approche “white label” et des pochettes génériques très majoritaires chez les labels underground au tournant de la décennie.

Quelles sont vos exclusivités du moment et/ou dans un futur proche ? Nous développons beaucoup de collaborations avec des labels et artistes amis , à commencer par une série de T-shirts limités avec le label Mad Decent – fondé par Diplo et maison du projet Major Lazer, qui était sans doute “l’objet dance” le plus intéressant de 2009 –, et beaucoup d’autres à venir dont une collaboration avec SoMe (qui signe tous nos logos) et une autre avec l’illustrateur Superdeux. A court et moyen terme, quels sont les projets d’Arcade Mode ? Nous allons continuer à offrir des séries limitées développées avec ces labels, organiser quelques événements où toutes ces familles se croisent à Paris et, je l’espère, accompagner l’essor d’une nouvelle vague d’artistes français. On peut déjà saluer le travail de labels comme Youngunz ou Club Cheval.

www.arcademode.com

Et c’est reparti pour “le choc des cultures” au Château de Versailles ! La star japonaise de l’art contemporain Takashi Murakami investit le domaine de Louis XIV avec ses oeuvres colorées, acidulées, inspirées par les films d’animation et les mangas. L’événement de la rentrée, sur fond de polémique…

jubilatoire. » C’est ainsi que Jean-Jacques Aillagon, président du Château de Versailles, définit l’exposition Murakami, jusque dans son principe. « L’idée de faire venir chaque année un très grand artiste mondialement connu ( Jeff Koons il y a deux ans et Xavier Veilhan l’année dernière, ndlr ), pour qu’il s’approprie le Château de Versailles en y exposant ses oeuvres, est très excitante. » C’est en effet devenu une tradition qui à chaque rentrée fait mouche. Les poids lourds de l’art contemporain se mesurent à Mansart, Lenôtre et Lebrun, et c’est cette fois-ci au tour du Japonais superstar d’investir les salles et les parterres royaux par la grâce du maître des lieux. Takashi Murakami, c’est un empire. L’artiste, âgé de 47 ans, dirige une sorte d’entreprise qui compte des dizaines d’assistants, d’artisans, d’artistes, réalisant sous son contrôle ses sculptures et peintures géantes bien connues. Inspirées par les divertissements de masse, la culture consumériste japonaise, la bande dessinée, les films d’animation et les mangas, par l’esthétique pop et “kawaï” (“mignon” en japonais), mais aussi par la peinture japonaise historique (dans le “savoir-faire” qu’elles requièrent), les oeuvres de Murakami, résolument pop, se déclinent en ballons géants, fleurs souriantes à visage humain, personnages à la fois hilares et inquiétants comme M. DOB (l’alter ego de l’artiste), le tout dans une débauche de couleurs acidulées et flashy. Mais la firme Murakami, c’est aussi une quantité invraisemblable de produits dérivés qui inondent le marché, des montres, des badges, des T-shirts, des pochettes de disques (il a réalisé celle de l’album “Graduation” du rappeur Kanye West)… Sans oublier des articles de mode sur lesquels il appose sa griffe, comme les sacs à main Louis Vuitton dont il a créé les imprimés, et qui l’ont propulsé au rang d’icône aux yeux des fashionistas du monde entier. Murakami le touche-à-tout, l’omniprésent, la star du marché de l’art, expose donc à Versailles. Une nouvelle étape dans son ascension. Il en rêvait ! « Pour un Japonais, y compris moi-même, le Château de Versailles est l’un des plus grands symboles de l’histoire occidentale », explique-t-il. L’exposition se compose de vingt-deux oeuvres (dont onze créées spécialement pour l’événement) réparties dans les salles du château. Une sculpture se trouve à l’extérieur, sur le parterre d’eau : l’“Oval Buddha” en bronze, acier et feuilles d’or. Cette imposante statue d’un personnage à double visage qui repose sur un éléphant est issue d’une collaboration avec le créateur de mode Issey Miyake.

Du bling-bling avec Pharrell

Autre association d’artistes dont on peut voir le résultat : la sculpture “The Simple Things” (dans le salon des Nobles), réalisée en duo avec Pharrell Williams, musicien et producteur de hip-hop. Totalement bling-bling, cette oeuvre est composée d’or et de plusieurs milliers de pierres précieuses. Logique, puisque l’un des objectifs avoués de Murakami était de nous en mettre plein les yeux et d’imaginer un « récit fantastique » qui inviterait le visiteur « à découvrir le pays des merveilles de Versailles »… Deux personnages, Kaikai et Kiki, siègent dans le salon de Vénus, tandis qu’un “Mister Pointy” de huit mètres de haut, perché sur des fleurs de lotus, a pris place dans le salon d’Hercule. Un étrange mobilier fait de champignons atomiques bariolés jonche le salon de Mercure, une bimbo pas très classe investit le salon de la Guerre, une immense décoration florale est disposée dans la galerie des Glaces, tandis que dans la salle des Gardes du roi, une vaste peinture murale, des lampes à suspension en verre teinté et un tapis forment une « oeuvre d’art totale ». Toute l’exposition, cette « folie éphémère », comme l’appelle Laurent Le Bon son commissaire, explose de couleurs vives, de formes rondes et rassurantes, de délires et de trouvailles charmantes. C’est plutôt sympathique, amusant, bon enfant. On se croirait dans un jeu vidéo ou dans un parc d’attractions peuplé de jouets géants. L’expo n’en est pas moins déroutante. Car on a beau se défendre d’être réac, on peut trouver pour le moins incongru de se voir imposer dans le même champ de vision les monstres gentils ou les fleurs en plastique de Murakami à côté des peintures rococo de François Le Moine et autres chapiteaux, pilastres et trophées en bronze du XVIIe. Mais lorsqu’on l’interroge sur la légitimité de cet événement, sur ses intentions provocatrices, Jean-Jacques Aillagon répond : « Aujourd’hui, c’est une certitude que l’art ancien et l’art contemporain peuvent cohabiter. De tout temps, Versailles a été le lieu où se confrontaient plusieurs époques ou courants artistiques. Au XVIIe plus que jamais, il y avait une véritable disponibilité et une ouverture à l’égard de la création. La notoriété de Murakami rivalise amplement avec la grandeur du Château. » De toutes façons, comme le dit la formule, c’est au public de décider. Or, depuis des mois, cette expo déchaîne la folie au Japon avant même d’avoir ouvert. L’équation “Murakami + Versailles” crée un énorme buzz et met les foules en transe. Nombreux sont ceux qui là-bas ont d’ores et déjà réservé leur voyage organisé spécialement pour venir visiter l’expo ! Une chose est sûre : la curiosité poussera le public à venir découvrir les oeuvres du Japonais, et les chiffres de la fréquentation s’en trouveront certainement augmentés. « L’écho international de Jeff Koons a été pour nous une campagne de promotion exceptionnelle », nous dit Aillagon, qui veut faire du chiffre, par tous les moyens. Au moins ne s’en cache-t-il pas. Des moyens qui ne sont pas du goût de tout le monde puisque de nombreuses voix – dont certaines franchement réactionnaires, pour le coup – s’élèvent pour dénoncer « l’opération de promotion commerciale et les spéculations des marchands d’art » (sur le site www.versailles-mon-amour.fr) ou la « politique de néo-vandalisme spéculatif international » (sur http://coordination-defense-de-versailles.info/). Pour se faire une opinion, rien de mieux que d’aller voir par soi-même. Pour ou contre Murakami à Versailles : c’est le grand débat de la rentrée !

Comme une alternative aux terrasses du quartier Oberkampf, le Nouveau Casino reste ouvert et propose Colors Music Estival, soit une trentaine de concerts de début juillet à fin août. Pour l’occasion, le club est paré de stickers multicolores et la programmation suit. Musiques du monde, rock, pop, électro agrémentée à toutes les sauces, etc., tous les genres vont jalonner l’été. Il y a des découvertes à faire et quelques retrouvailles dont on se réjouit : Kill The Young, Chris Garneau, Jens Lekman, Smooth, Au Revoir Simone ou Little Barrie. A La Loge, les décibels de juillet iront rarement au-delà de la chanson, de la pop et du folk. Ce premier Summer Of Loge fait en grande partie écho à une nouvelle scène française qui n’a d’oreilles que pour les guitares acoustiques, les mélodies douces et les textes en anglais : Eliote & The Ritournelles, Lafayette Young, Lauter, Watine et Yeepee (entre autres). Certes, le 19 juillet, Albin de la Simone rempile au piano électrique en solo, soit trois jours après June & Jim et quatre avant Lilister : bien qu’en minorité, les chansons en français retentiront aussi à La Loge.

Les vendredi et samedi à partir du 23 juillet, avec le festival Fnac Indétendances, le parvis de l’Hôtel de Ville va vibrer aux sons des scènes françaises. Le panel va de la chanson à textes (dont Camille, Bazbaz et une carte blanche à JP Nataf) à l’électro (avec Chloé), en passant par le hip-hop (Rocé, Casey, Beat Assaillant, etc.) et le rock façon La Maison Tellier, Coming Soon, Boogers ou Gush. Le programme comprend aussi une soirée “spéciale Bretagne”, avec notamment Alan Stivell et Merzhin ! « Quatre escales à travers le monde et les arts », c’est ce que propose pendant quatre week-ends, du 16 juillet au 8 août, le festival Sin Fronteras au Cabaret Sauvage. Le premier arrêt est Cartagena et l’Amérique latine, puis l’événement pluridisciplinaire – musique, ateliers, contes, arts de la rue, bals – se pose à Bamako (Mali), à Sibiu en Transylvanie, et terminus à Marrakech (Maroc). Une occasion rêvée pour être transporté par la nueva cumbia, le rap’n’folk du Mali, le renouveau rock touareg, l’afrobeat, la musique tsigane, le groove des Balkans, le chaâbi ou la transe gnawa... tout en restant à Paris. Egalement très imprégné par les sonorités exotiques, le volet musique de Paris Quartier d’été (toutes les infos sur www.quartierdete.com) investit le Palais-Royal, l’Eglise Saint-Eustache, les Arènes de Montmartre et les parcs et jardins parisiens pour des rendez-vous du 14 juillet au 15 août. Enfin, parmi la dizaine de bonnes raisons de faire un tour à Rock en Seine avant la rentrée, on relève cinq concerts événements – Arcade Fire, Massive Attack, Queens Of The Stone Age, Cypress Hill et Blink 182 – et une séquence émotion : la reformation de Roxy Music, sans Brian Eno... mais, heureusement, avec Bryan Ferry ! Avant ces étoiles qui jouent dans la nuit, les fins d’après-midi vaudront aussi le coup d’oeil ; on songe à des phénomènes tels Beirut, LCD Soudsystem, Eels, Foals, Two Door Cinema Club, The Kooks, etc. Sur le papier, c’est alléchant.

Le souffle de la ville y rugit toute l’année. Dans le halo névralgique de guitares fureteuses. Dans le mouvement poétique de chorégraphies angéliques. Dans un maelström d’images sous influence... Le quartier de la Villette joue sans discontinuer la partition précise des états d’âme artistiques de la capitale. Le coeur généreux des mélomanes, des curieux rêvant d’ailleurs dociles et des amateurs d’expériences qui dérangent parfois mais élèvent toujours... Et de ce côté-ci de Paris, la période estivale est tout sauf une période de repos – forcé. A la Villette cet été, l’art fait ce qui lui plaît et s’accompagne même de cours de cuisine africaine pour bien commencer les journées. Du voyage à l’extase instantanée, on imagine déjà les concerts de Vieux Farka Touré (le 18 juillet), du Jaipur Maharaja Brass Band (le 1er août) ou de Rabih Ab Khalil (le 8 août) comme une promenade hallucinatoire dans les ruelles de Château Rouge, du Passage Brady ou de Belleville. Une carte blanche à Radio Nova le 22 août, avec notamment Bibi Tanga et ses Sélénites, viendra clôturer ces Scènes d’Eté. En attendant les premières flèches soniques du festival Jazz à la Villette à la rentrée...

Les Arènes de Montmartre accueillent la sixième édition d’un festival toujours très plaisant. Six concerts se tiennent sur la Butte, en plein air, au milieu des vieilles pierres. Le 20 juillet, il ouvre sur un groupe de superbes musiciens américains. Le saxophoniste Dave Liebman, qui a joué avec Chick Corea et Miles Davis, et incarne l’intensité du jazz contemporain, croise notamment le guitariste John Abercrombie, belle plume du label allemand ECM, et le pianiste Marc Copland. Le lendemain, c’est à une prestation solitaire et exceptionnelle (il ne se produit plus beaucoup en raison de son âge, 80 ans) de Martial Solal que les organisateurs invitent le public. Moderne, choquant, il a renouvelé le langage du piano avec dissonances, voire chaos, dès la fin des années 1950 (on lui doit la musique du célèbre premier film de Godard, A bout de souffle). La chanteuse Norma Winstone (le 22), le clarinettiste Thomas Savy (le 23), le batteur Christophe Marguet (le 24) constituent le reste des réjouissances qui se termineront, le 25, par trois animateurs du jazz d’avant-garde : l’inévitable clarinettiste Michel Portal, le saxophoniste Louis Sclavis et le batteur Daniel Humair. Pendant la durée du festival, entre 10 h et 13 h, les enfants des centres de loisirs pourront s’inscrire à des ateliers, sous la direction du percussionniste Arnaud Laprêt, et étudier le jazz, l’art de l’improvisation, et dessiner (leurs oeuvres seront remises aux spectateurs au début des concerts).

La 3e édition de Bienvenue à Moulins se déroule les 26 et 27 juin dans le quartier de Moulins à Lille. Un week-end festif et solidaire entre expos, spectacles de rue, concerts et marché équitable.

Fête populaire de quartier, festival d’été avec des spectacles, la manifestation Bienvenue à Moulins est un hybride, comme peut l’être la Maison Folie de Moulins », explique son directeur Marius Moulin (son vrai nom !). « Pendant tout le dernier week-end de juin, il y aura des propositions artistiques pour tous les publics, enfants et adultes, ainsi que des restitutions d’ateliers. » Car la manifestation, initiée il y a trois ans par la Maison Folie de Moulins, est un travail collectif réalisé en collaboration avec une trentaine de structures culturelles, associations et collectifs du même quartier. « L’idée vise à réunir toute la diversité des habitants du quartier, car Moulins est un ancien quartier de l’industrie textile, aujourd’hui en pleine mutation, qui cherche une identité. » Le festival accueille aussi un public extérieur au quartier, qui vient pour la qualité des spectacles et profite de cet événement en extérieur dans un esprit populaire, festif et décontracté. Après une première édition gâchée par la pluie en 2008, Bienvenue à Moulins 2009 a trouvé sa place dans le calendrier des événements de début d’été, avec près de 3 000 participants sur un week-end.

Ciné barbecue et concerts punk rock

Dans une programmation riche d’une cinquantaine d’événements, il faudra particulièrement remarquer les expositions proposées à la Maison Folie, dont celle réalisée par le collectif Koan sur la mémoire du quartier de Moulins, « une proposition poétique, avec des éléments sonores ». Autre temps fort, Cultures Equitables, un village associatif et marché équitable proposés par l’association RIF. « Un espace de sensibilisation au commerce équitable et au développement durable », sur lequel se greffent les concerts de The Souljazz Orchestra (afro beat, afro jazz) et Stro Grass (country bluegrass). Côté spectacles, Le Prato invite la compagnie Circ’Hulon qui présentera Le Kiosque à Mézigue, une proposition d’art forain avec un trio musical, comique et poétique. Également conviée par Le Prato, la compagnie Rêvages jouera Le Petit Bodiel et autres contes. Un spectacle qui est le fruit d’une rencontre entre d’anciens élèves de l’école de théâtre Epsad et du conteur africain Hassane Kassi Kouyaté. Enfin, le samedi soir sera animé à L’Hybride avec un ciné barbecue qui réunira une programmation de courts métrages sélectionnés par l’équipe du Festival du Court de Clermont- Ferrand. Et les amateurs de sonorités rock peuvent toujours aller faire un tour du côté du café-concert Le Détour où il aura des concerts punk et hardcore organisés par l’association Give Us A Chance.

Après “Azur et Asmar” et “Chasseurs de dragons”, le studio parisien Mac Guff s’est vu confier la fabrication d’une grosse production américaine : “Moi, moche et méchant”. Produit par Christopher Meledandri, l’homme derrière “L’âge de glace”, ce dessin animé en 3D relief a pour héros un vilain pas beau.

Gru est un méchant dans la tradition des vilains de James Bond, du style de Goldfinger, précise l’Américain Chris Renaud, l’un des deux réalisateurs de Moi, moche et méchant. Là, on raconte sa vie de tous les jours. On voit toujours les méchants dans leur repaire, mais on ne sait jamais comment ils sont au quotidien face à leurs voisins, leur maman, des enfants. Comment ils réagissent quand ils doivent attendre dans une file d’attente pour une tasse de café. Gru a les mêmes problèmes que nous mais il ne fait pas comme nous parce qu’il a un rayon paralysant, un énorme SUV de l’enfer qui pousse toutes les autres voitures hors de son chemin, des armes, un antre souterrain... Il a et fait ce que beaucoup rêvent de faire. » Gru (de l’anglais “gruesome” qui signifie horrible) a la voix de Steve Carell (et celle de Gad Elmaleh en français). Il vit dans la seule maison noire et lugubre d’un quartier résidentiel coloré et fleuri. Comme tout méchant qui se respecte, il est épaulé par un savant fou, le docteur Nefario, 150 ans et dur de la feuille. Il a aussi une armée de minions, des petites bestioles jaunes et bagarreuses, au rire bête, et qui paniquent au moindre bruit. Les minions testent les équipements et les armes inventés par le savant fou susnommé. Gru a aussi une maman qu’il cherche à épater depuis son enfance mais qui lui mène la vie dure car elle n’est jamais satisfaite de ses méfaits. Elle ne le sera pas non plus du prochain mauvais coup qu’il prépare : voler la Lune. Rien que ça. Il a aussi un rival, Vector, vilain de son état. Il n’a pas l’air dangereux de prime abord, il aurait même plutôt une tête de gaffeur, mais plus l’intrigue avance et plus il devient redoutable. Gru et Vector se sont rencontrés à la Banque du mal. Cette banque finance tous les plans maléfiques des méchants. Gru était venu demander un prêt pour son projet. Quand il découvre que Vector possède le rayon rapetissant dont il a besoin pour ledit projet, il va tout faire pour s’en emparer. Mais la forteresse de Vector est impénétrable. La seule solution de Gru est d’adopter trois orphelines, qui vendent des cookies en faisant du porte-à-porte, et deles utiliser comme cheval de Troie. A sa grande surprise, Gru va s’attacher aux jeunes Margo, Edith et Agnes.

« Gru nous a donné beaucoup de soucis, révèle le Français Pierre Coffin, le second réalisateur du film. On a longuement débattu, et on en débat encore, pour qu’il soit méchant mais pas trop. On a commencé avec un personnage plus mauvais que ça et, au fur et à mesure, il est devenu plus grognon et infréquentable que réellement méchant. Ses seuls actes de méchanceté sont plus dans la vie quotidienne, comme de bousculer une grand-mère dans la rue. Il ne veut pas détruire la Terre. Quand il essaie d’être franchement méchant, il n’y arrive pas avec la classe qu’on attend d’un vrai vilain. » « C’est un perdant et il endure en plus les misères de Vector, poursuit Chris Renaud. On avait besoin de cet équilibre. Si on ne le montrait que méchant, on aurait eu des problèmes d’un point de vue marketing comme d’un point de vue attrait du personnage pour les spectateurs. On veut préserver cet aspect du vilain parce que c’est un concept intéressant. Au départ, il était l’affreux n° 1, froid et cruel, mais on avait l’impression de ne pas aller bien loin avec lui. En le transformant en perdant, en lui retirant un peu de sa méchanceté, on l’a rendu attachant. On lui a aussi ajouté une écharpe qui illumine un peu sa personnalité. On lui a donné un costume reconnaissable pour qu’il se détache du paysage. » « Ce n’était pas très aisé de créer un méchant sympathique, reprend Pierre Coffin. Après des essais de design, beaucoup de recherches graphiques et de manipulations 3D, on est arrivé à ce Gru-là." Pour être sûr que c’était le bon personnage, Pierre Coffin et Chris Renaud ont fait quelques tests d’animation faciale pour voir s’il pouvait être sympathique et vivant tout en étant suffisamment expressif. Ils ont d’ailleurs fait ça sur presque tous les personnages principaux. "On voulait se rassurer, être certains qu’on pouvait croire en eux, continue Pierre Coffin. On veut que les spectateurs oublient très vite la technique de la 3D pour s’intéresser aux personnages et à l’histoire. Tout est ainsi centré sur la personnalité. La fameuse “characterization” qui dit qu’un personnage n’existe pas s’il n’a pas d’âme. »

Deux cent quatre-vingt-dix personnes, réparties en quatorze départements, travaillent sur Moi, moche et méchant depuis plus de deux ans, dont cinquante animateurs qui sont autant d’acteurs. 90 % du film se font dans les studios parisiens de Mac Guff. Les 10 % restant, principalement du story-board mais aussi des éléments sonores et la musique, sont créés par des artistes en Angleterre, en Espagne, aux États-Unis et au Canada. « Plusieurs raisons ont fait que Mac Guff a été choisi pour fabriquer ce film, souligne Chris Renaud. Il y a d’abord cette richesse d’excellents talents en animation, à Paris. Il y a ensuite le talent de Mac Guff que l’on ne trouve nulle part ailleurs, que ce soit au niveau de l’animation, de la lumière ou encore du rendu. Il y a enfin le Français Pierre Coffin, un réalisateur d’animation bien connu. On savait que la collaboration entre Pierre et moi fonctionnerait. » Les deux hommes disent se compléter à merveille. La spécialité de Pierre Coffin est l’animation et la direction d’acteur. Celle de Chris Renaud est l’histoire et le story-board. « Quand j’ai appris que je devais coréaliser le film avec quelqu’un, je me suis dit qu’on n’arriverait jamais à s’entendre, se souvient Pierre Coffin. Comme dans un vieux couple, chacun aurait ses petites habitudes. Mais on s’est aperçu qu’on avait quasiment les mêmes goûts sur tout. » « On travaille ensemble sur la totalité : la lumière, le compositing, les mouvements de caméra, renchérit Chris Renaud. Et on prend toutes les décisions à deux. »

Outre le fait que Mac Guff n’avait jamais travaillé sur un tel projet (100 millions de fichiers à gérer), les difficultés ne changent pas des autres films en 3D relief. Tout ce qui est organique demande toujours une puissance de calcul énorme pour recréer une simulation de phénomènes qui sont compliqués. « La qualité et la compétence des équipes étaient déterminantes, avance Jacques Bled, cofondateur et P.-D.G. de Mac Guff. On savait qu’on pouvait relever le défi même si on s’est posé des questions quand Christopher Meledandri est venu nous confier son film. Avec ses succès au box-office, “L’âge de glace”, “Horton” ou “Robots”, il est l’homme qui vaut 7 milliards. » Travaillant avec Blue Sky et la 20th Century Fox, Christopher Meledandri a été débauché par Universal pour créer une structure de films familiaux. Moi, moche et méchant est le premier projet. Vu les succès passés, Meledandri et consorts sont attendus au tournant. « On était inquiets, reconnaît Jacques Bled. Mais on ne fait pas de la sous-traitance comme en Chine ou en Inde. On apporte une valorisation importante et des gens pour le layout, le design des personnages, la direction artistique. L’équipe est franco-américaine au niveau de la mise en place des choix artistiques. Et, au final, esthétiquement, on n’aura pas à rougir de notre travail par rapport à la production hollywoodienne que ce soit en termes de qualité d’animation, des rendus, des textures ou de la lumière. »

Revoici Lambert Wilson, metteur en scène d’une pièce dont on ne se lasse pas tant y flamboie la langue, ciselée comme une dague. Autant le savoir tout de suite : avec ce Marivaux-là, on ne nage pas en pleine bluette au lait de coco. Ce qui fournit la trame de cette oeuvre féroce ? L’argent, le fric, l’oseille, l’artiche ! La toute-puissance de l’argent sur les émois du coeur y est finement flétrie, mais ce n’est pas tout : dans les eaux troubles de l’affect, au creux des rivalités amoureuses, l’oeuvre pointe également la bisexualité des êtres et les premières revendications de valets roués à travers la figure frondeuse de Trivelin (Francis Leplay), entouré de ses collègues Arlequin et Frontin (Eric Guérin, Pierre Laplace). Or donc, une jeune fille richement dotée (Anne Brochet, rusée et ambiguë) se travestit en garçon – chez Marivaux comme chez Shakespeare, chacun découvre sa propre vérité dans le travestissement– pour aller voir de plus près Lélio (Fabrice Michel), le prétendant choisi d’autorité par son beaufrère. Les masques tombent vite : son promis n’est pas un amoureux mais un petit gestionnaire prudent. Pire : un fieffé goujat prêt à la planter pour une accorte comtesse plus argentée (Christine Brücher, délicate et douloureuse). La suite ? Ben, on ne peut pas vous dire, sinon vous nous en voudriez terriblement de gâcher un suspense qui prend le temps de faire exister les personnages. Soin visible apporté à la lumière et aux décors (de longs pans de dentelle nervurés de feuilles), rythme enlevé et dialogues décalés déployant mille chaussetrapes et trompe-l’oeil : Lambert Wilson adapte l’oeuvre avec une belle élégance mâtinée de dérision. Alors, c’est vrai, on peut trouver à redire aux divertissements (hommage évident aux musicals hollywoodiens) chantés et dansés et aux chorégraphies qui vous ont ici un petit air foutraque digne d’un club de vacances discount, mais cela n’entame pas le charme acidulé de cette succulente dragée au poivre. Marivaux est plus que jamais en activité invisible dans le tourbillon de l’époque.

Alternative cool et chaleureuse aux salles bondées et aux prestations live prévisibles, les concerts en appartements font de plus en plus d’émules chez les artistes et auprès du public. Idée géniale pour passer une agréable soirée entre amis et amateurs de sensations musicales fortes ? Oui, et plutôt quatre fois qu’une...

Parce que l’ambiance est plus électrique tout en restant conviviale. Les concerts en appartement, en tout petit comité et à la bonne franquette (vin, saucisson, discussions avec des inconnus passionnés de musique), voilà qui vous met tout de suite dans de bonnes dispositions pour partager un moment d’émotion. « Ça me fait penser aux soirées d’antan, autour de la cheminée. Vous savez, ces salons, au XVIIIe, où chacun lisait des poèmes… Avec cependant un aspect plus débridé, plus sauvage… Les gens se lâchent parce qu’ils ont conscience d’être partie prenante de l’événement », nous confie Nobuko Matsumiya, musicienne japonaise installée à Paris et organisatrice assidue de concerts à la maison (environ trois sessions par mois) qui, à travers ces évènements culturels libres et spontanés, redécouvre les vertus de l’hospitalité. Mais le véritable point fort de ces concerts, c’est l’enthousiasme contagieux qui régit les rapports entre le public et les artistes. « Le premier concert était une vraie expérience pour nous et pour les hôtes. On a compris après dix minutes que ça allait être génial. On est tombés chez Hedwige, une fille super sympa, qui nous a bien accueillis et qui a fait une belle vidéo de la soirée. C’était la liesse ; les gens hurlaient et chantaient, appelaient leurs potes au téléphone pour leur dire de rappliquer fissa », raconte Nicolas du groupe belge Eté 67. Habituée des concerts en appartement depuis 2007, la formation rock-pop basée dans les environs de Liège sortira en septembre prochain son deuxième album “Passer la frontière”, condensé de ses expériences riches en sensations fortes et rencontres marquantes. Parce que la formule donne une nouvelle dimension à la musique Pour les Parisiens d’Exsonvaldes, champions français toutes catégories des live en appartement, l’expérience a totalement modifié et magnifié leur rapport à leurs propres compositions. « Pour la promotion de Near the Edge of Something Beautiful, notre deuxième album, nous avions besoin d’être capables de jouer certains de nos titres en acoustique – pour des sessions radio, TV, internet, etc. L’idée de faire du guitare/voix nous frustrait car nous sommes habitués à travailler en groupe. Nous avons donc décidé de réarranger notre répertoire jusqu’à être capables de reproduire l’énergie de quelques morceaux dans une formule à quatre, avec basse et batterie, mais sans aucun micro », explique Simon, le leader du groupe. Du coup, les chansons rayonnent d’un dépouillement confinant à la pureté mélodique d’un sonnet, laissent filtrer une palette sonore et émotionnelle qui, débarrassée des artifices (amplification, effets), va à l’essentiel. A leurs débuts en 2002, bien avant qu’ils ne deviennent des superstars rompues aux énormes stades, les Américains de The Killers ont visité tous les squats et salons de fortune des environs de Las Vegas. Ces expériences hors du commun ont profondément influé sur leur manière de composer, révélait le chanteur Brandon Flowers dans les colonnes du site internet The Fader : « Jouer devant un public restreint dans un environnement naturel vous donne une idée très précise de la manière dont le public réagit et ressent vos chansons. On était étonné de voir que les gens étaient beaucoup plus réceptifs lorsque nous jouions des titres qui reposaient sur une formule musicale simple, avec voix et guitares claires. Depuis, toutes nos chansons sont d’abord écrites en version acoustique avant d’être finalisées en studio. » Parce que la barrière entre l’artiste et son public tombe définitivement. Faire tomber les barrières inhérentes à un concert public, prendre le temps d’expliquer sa démarche artistique, communiquer, échanger, sans oublier le principal : la proximité de l’artiste avec son public, sans les artifices d’une grande scène, modifie totalement les rapports. En concert d’appartement, les émotions de l’artiste sont aisément perceptibles par le public et inversement, et finalement la musique ne peut qu’y gagner. Simon : « C’est évidemment plus facile de communiquer lors d’un concert en appartement. Souvent, le public réagit de manière plus intense encore qu’à un concert “normal”. Il se rend compte qu’il partage quelque chose de fort et d’unique avec nous. Il est attentif à tous les détails. Il n’y a pas la barrière psychologique de la scène, des lumières. Le contact avec le public est direct, on peut regarder tout le monde dans les yeux. Il y a aussi un effet de surprise pour les gens, qui assistent souvent à leur premier concert en appartement. » Parce que les concerts en appartement apportent aux artistes un éclairage nouveau sur leur musique et sur leur art. Nombre de musiciens abonnés aux concerts en appartement vous diront que ces expériences les ont amenés à envisager leur musique sous un éclairage neuf. Parce que la combinaison entre instrumentation acoustique, rapports directs avec le public et facilité à enchaîner les dates ouvre forcément les yeux sur l’écart incroyable de perception entre le fantasme de la vie d’artiste et les réalités souvent décevantes du music-business. « C’est un vrai retour à l’essentiel. Juste une libre expression de ce que la musique peut procurer, sans artifices ou intermédiaires. Si on arrive à créer une atmosphère de concert dans ces conditions-là, c’est encore plus facile quand on retourne sur scène après. C’est l’essence même de la prestation artistique pour moi. Au début, il n’y a rien et en fin de soirée, le lieu s’est transformé en quelque chose de magique, un endroit où les gens communient dans la musique et la curiosité », confirme Nicolas d’Eté 67. Une autre forme de partage qui se rapproche plus du troc. Une démarche universelle comparable à celles des poètes itinérants, des troubadours, ou des bluesmen pendant la Grande Dépression. Les concerts en appartement ont visiblement déjà modifié notre perception du monde en profondeur…

Du “Grand Journal” au grand écran – voire au très grand écran –, il n’y a qu’un pas que Mouloud Achour a franchi comme un géant. Chroniqueur sur Canal+, on le retrouve en ce moment à l’affiche du “Choc des Titans”, entouré de monstres mythologiques. Un bon bond dans le “tout Hollywood”, qu’il nous raconte avec bonhomie.

Comment vous êtes-vous retrouvé dans “Le Choc des Titans” ? Mouloud Achour : J’avais rencontré le réalisateur Louis Leterrier à New York, il venait alors de terminer “Danny the Dog”. On est restés en contact, et il m’a demandé un peu plus tard de venir faire une petite apparition dans “Hulk”. Et il se trouve que je me suis endormi sur le tournage ! Je venais de faire “La Matinale” sur Canal+, et quand je suis arrivé à Toronto, j’étais explosé. Je me suis donc endormi au maquillage. Et pendant ce temps-là, il y avait Edward Norton qui me faisait des oreilles de lapin (rires). Après, quand Louis s’est mis à préparer “Le Choc des Titans”, il m’a dit qu’il avait un rôle qui pouvait me correspondre, mais qu’il y avait une trentaine de personnes pressenties. J’ai donc tourné une vidéo avec le type qui allait jouer mon frère, et les gens de la Warner m’ont validé.

Vous auriez pu refuser ? Oh ben non ! C’est pas possible ! On te dit : « Voilà, tu vas tourner pendant trois mois avec toute une bande de comédiens dont tu es hyper fan. » Un truc pareil, ça ne se refuse pas !

Comment a réagi votre entourage quand vous lui avez appris la nouvelle ? Je ne l’ai pas dit à tout le monde. C’était trop énorme, je n’arrivais pas à l’expliquer. Je ne l’ai dit qu’à ma famille et à Michel Denisot, car il fallait que je quitte “Le Grand Journal” pour tourner le film.

Ça fait quoi de se faire bananer par un scorpion géant ? On a mis deux ou trois semaines à faire cette scène, car il y a pas mal d’effets spéciaux dessus. On m’a attaché avec un câble, on m’a jeté, il y a eu des explosions, et quand j’ai vu la scène terminée, j’étais hyper content. C’est le genre de choses que j’adorais voir au cinéma quand j’étais petit. Et le fait d’avoir tourné une scène de ce genre, c’est juste fabuleux. Vraiment, j’hallucine de me voir dans une scène comme ça, avec un scorpion qui coûte le prix d’un film français.

Quelle a été la chose la plus difficile à faire sur ce film ? De rentrer à Paris. (rires)

Et porter une jupe, c’est difficile ? Mais je ne porte pas de jupe dans le film ! Ceci dit, j’en mets souvent, et je n’ai pas de problème avec ça. (rires)

Et Zeus – joué par Liam Neeson –, il est sympa en vrai ? Je ne l’ai pas rencontré. Ce qui est drôle, c’est qu’il y a plein d’acteurs du film que je n’ai rencontrés qu’à l’avant-première. Et puis, je jouais un soldat de Persée censé aller péter la gueule aux dieux, donc on n’allait pas se fréquenter sur le tournage.

Qu’est-ce que ça fait de se voir en 3D ? C’est juste hallucinant. J’étais déjà en 3D dans la vie, mais Louis Leterrier me disait : « Tu te rends compte, tu es le premier Français dans un film en 3D ! »

Vous avez essayé de toucher l’écran ? Non, c’est comme avec les films normaux, on a plutôt envie de faire ça avec la fille assise dans le fauteuil à côté. (rires)

Qu’est-ce que ça fait de devenir une star d’Hollywood du jour au lendemain ?

Je ne suis pas une star d’Hollywood. Ni une star tout court. Même en France. Donc, je prends ça comme un truc d’enfant. Pour la promo à Los Angeles, j’allais à la plage avec Louis, ou dans les boutiques de comics, et après on se retrouvait à table avec des gens hyper importants du cinéma… Mais je sais que ma vie est à Paris, au “Grand Journal”, avec ma petite bande. Donc je ne me pose pas la question, et je sais que là, ce n’est que du bonus.

Et qu’est-ce que ça fait d’être le héros d’un jeu vidéo ? Ça aussi, c’est incroyable ! Se retrouver dans un jeu vidéo, je pensais que c’était un honneur qui était réservé aux joueurs de foot ou aux mecs qui étaient nés sur Krypton, quoi ! Le jeu vidéo, c’était vraiment la cerise sur le gâteau.

Est-ce que votre vie a changé avec cette aventure ? Non, si ce n’est que maintenant je prends ce métier très au sérieux. Je ne fais pas de la télévision pour qu’on me reconnaisse dans la rue, mais pour dire des choses. Et c’est pareil au cinéma. Je ne fais pas ça pour devenir une vedette. Et puis, je pense que je ne choisirai jamais entre la télé et le cinéma. Moi, mes modèles, ce ne sont pas les comédiens de stand-up américains ou les comiques français. Ça, je n’en ai vraiment rien à foutre. Mon modèle ultime, c’est Takeshi Kitano qui, au Japon, est capable d’animer sept émissions de télé, de jouer dans des blockbusters, et de réaliser des films qui sont complètement indépendants et qui lui ressemblent tellement qu’ils sont parfois incompris.

Quelle la personne la plus célèbre que vous ayez dans votre répertoire de téléphone ? Si on considère qu’une personne célèbre c’est quelqu’un à qui l’on pense en permanence, je dirais ma mère.

Qu’est-ce qu’on vous dit quand on vous reconnaît dans la rue ? Les gens pensent que je fais partie de leur bande. C’est vraiment très cool, mais des fois ça peut être embarrassant quand je suis avec mes potes et qu’un mec entre dans notre conversation. Parfois, alors que je suis au téléphone, un type arrive et me dit : « Ah, c’est marrant, je t’ai vu hier, et j’étais avec mon pote machin et tout… » Mais bon, je suis quand même content que ça se passe comme ça. A la télévision, je parle de mes passions, et quand on fait partager des passions et qu’on n’est pas juste là pour montrer sa gueule, ça suit. Un mot de conclusion ? A nous Los Angeles !

La bio de Mouloud Achour 1980 : naissanceà Montreuil. 1999 : fondateur du label de rap Kerozen. 2003 : réalisateur du documentaire “La Face B du hip hop”. 2005 : acteur dans “Sheitan” de Kim Chapiron. 2006 : chroniqueur à “La Matinale” de Canal+. 2008 : chroniqueur nouveaux mouvements au “Grand Journal” de Canal+. 2008 : réalisateur du documentaire “Mouloud passe au vert”.

Cinéaste à succès, le réalisateur d’“American Beauty” fut un metteur en scène de théâtre acclamé. Ses adaptations de deux pièces de Shakespeare sont enfin visibles en France.

Derrière la porte, on surprend Kate Winslet, pleurant son mariage en déroute sur l’affiche des “Noces rebelles”. En face, le soldat de “Jarhead” ignore le nombril envoûtant de la lolita d’“American Beauty”, son premier film, auréolé de cinq oscars, en 2000. Dans cette salle des trophées, à l’étage d’un immeuble discret et défraîchi de West Village, à New York, les succès à 350 millions de dollars de recettes du réalisateur britannique Sam Mendes côtoient les hommages à sa première passion : les annonces illustrées des spectacles du Donmar Warehouse, théâtre du West End sauvé de la ruine par ce prodige de la scène londonienne. Son “Oncle Vania” (Tchekhov) de légende, l’“Oliver !” (Dickens), monté en 1994, à l’âge de 29 ans, sont l’oeuvre d’un théâtreux forcené, convoité par Hollywood, mais amarré à New York. Voilà dix ans que le Britannique le plus demandé d’Amérique croque la Grosse Pomme. A Brooklyn, sa “Tempête” et son “Comme il vous plaira”, de Shakespeare, font salle comble, et la troupe prépare une tournée mondiale qui la conduira à Hongkong, Amsterdam et Paris, au théâtre Marigny. Mais Mendes, resté longtemps le meilleur parti de Londres, a toujours vu en New York le creuset d’une nouvelle famille, avec Kate Winslet, sa femme depuis 2003. Ici, la star de “Titanic” peut se rendre à pied à l’école avec Joe, leur fils de 6 ans, sans provoquer une émeute sur la 7e Avenue. Sam, lui, fils d’un prof de lettres issu d’une lignée protestante portugaise de l’île de la Barbade et d’une mère juive anglaise écrivaine pour enfants, divorcés quand il avait 5 ans, reste à température égale dans ce tourbillon urbain et cosmopolite : un Anglais érudit et iconoclaste ciselé par Oxford, Cambridge et la Royal Shakespeare Company, qui boude les tapis rouges pour regarder, à la télévision, le cricket et les matchs de foot d’Arsenal. Lorsqu’il nous reçoit, les limiers de la presse people anglaise rôdent autour de son immense loft en quête de tuyaux sur son imminent divorce, confirmé depuis le 15 mars. Sam Mendes, enfoncé dans un fauteuil entre une imposante bibliothèque et une gigantesque télé, incrimine dans un nuage de cigare le démon qui le taraude toujours à 44 ans : le boulot. Obsessionnel. Dévorant. Le problème de ce perfectionniste maladif n’est pas le prochain James Bond en 3 D, qu’il prépare pour 2011, mais Shakespeare. Tasse de thé de tout Anglais qui se respecte.

Un vrai chaman aux répétitions de Brooklyn Mendes a pourtant attendu d’étudier l’auteur de Hamlet en classe, à l’adolescence, pour mettre la première fois les pieds dans un théâtre. Sa “Tempête”, visuelle, intimiste, mélodieuse même, grâce aux deux musiciens sur scène, s’affranchit des conventions classiques. Prospero, le duc exilé de la pièce qui convoque les esprits pour vaincre ses usurpateurs, pontifie moins qu’il ne laisse percevoir ses doutes sur son pouvoir. « Pour moi, c’est une pièce qui, franchissant les frontières des cultures, dépeint un artiste sans contrôle sur sa création, comme un roi sans pouvoir sur ses sujets », confie Mendes, qui, pour mieux interroger l’occulte, a invité un vrai chaman à assister aux répétitions de Brooklyn. « J’ai toujours pensé qu’il ne suffisait pas d’aimer une pièce ; qu’il fallait en découvrir le plus profond secret », plaisante le metteur en scène. « Cela paraît prétentieux, mais je serais déjà content si, grâce à moi, deux ou trois gamins assis au fond de la salle s’ouvrent à Shakespeare et au théâtre. » Ce qui devrait leur plaire.

C’est incontestablement l’événement cinématographique de la semaine. Le mythique personnage d’Alice au pays des merveilles fait son retour sur les écrans, mais revisité à la sauce Tim Burton, avec, du coup, de la 3D, du Johnny Depp, de la BO de grande classe... Alors que les spectateurs sont dans les starting-blocks, le phénomène Alice, qui va bien au-delà de la sortie ciné, méritait d’être scruté.

Le buzz de la semaine est là. Un film aux moyens colossaux mis en scène par un réalisateur-star, avec Johnny Depp, crème de la crème d’Hollywood en guise de tête d’affiche et des images de synthèse bluffantes qui raviront les amateurs de grand spectacle façon Avatar. Et puis des interviews, des analyses, des produits dérivés du plus grand chic... Qui l’aurait cru, en sachant que l’histoire d’Alice, connue universellement, est née de l’imagination fertile du révérend Charles Lutwidge Dodgson, étrange personnage taciturne de l’Angleterre du XIXe siècle, portant faux col et redingote noire, gaucher et bègue de surcroît ? Etrange, ce monsieur Dodgson, qui, un peu à la manière d’un Michael Jackson d’antan, aimait bien les petites filles qu’il photographiait sans lassitude et était prêt, pour les séduire, à leur inventer des aventures mirifiques, a priori éloignées de mille lieues de celles du monde des adultes. C’est lors d’une promenade en barque, par un beau jour ensoleillé, que le révérend l’inventa cette histoire pour l’une des fillettes présentes, Alice Lidell, qui, bien qu’accompagnée de ses deux soeurs, avait indéniablement sa préférence. Interrogé par son collègue Duckworth, lui aussi du voyage, le futur créateur du pays des merveilles confirmait l’étrangeté des faits : « Oui, j’invente au fur et à mesure. ». Alice fut conquise et demanda à son étonnant ami de lui relater l’histoire par écrit. Ledit ami n’en dormit pas de la nuit et écrivit le chef-d’oeuvre que nous connaissons, l’illustrant même de ses propres pinceaux. Et puis et puis, d’autres le lurent, le convainquirent de le publier, ce qui fut fait sous le nom de Lewis Carroll, puis agrémenté des dessins de John Tenniel, aujourd’hui toujours partie intégrante de l’univers d’Alice. Animaux et cartes à jouer qui parlent, repères temporels flous, mot-valises, non-sens, adultes cruels, personnages qui se retrouvent la tête à l’envers, héroïne toujours trop grande ou trop petite. Toute la personnalité de Charles-Lewis telle qu’elle a pu être rapportée transparaît dans ce drôle d’ouvrage dont le succès s’est avéré immédiat dès sa parution.

Les raisons du succès

Ecrites pour plaire à une seule petite fille, les aventures d’Alice ont conquis toutes les générations et ce, à travers les âges. Un succès que l’on comprend sans peine quand il s’agit de contes de fées puisqu’ils font partie de l’imaginaire collectif et se transmettent de façon orale, mais qui laisse pantois quand on sait que cette belle histoire n’est l’oeuvre que d’un seul. « Alice nous touche en tant qu’enfants, mais aussi en tant que grands enfants, explique le docteur Lepastier, psychiatre et psychanalyste. On se retrouve loin des contingences habituelles ; on passe de l’autre côté du miroir ! Les objets inanimés prennent vie, les animaux parlent... Cela nous met dans un état de perplexité étonnant ; ce que Freud appelait “l’inquiétante étrangeté”. Et puis l’enfant n’a plus peur comme dans la vie réelle. Là, il n’est plus écarté du monde des adultes, il est au centre de l’action, ce qui nous convient bien puisqu’on a toujours tendance à idéaliser le monde infantile. » Et de reprendre : « Il est toujours important de garder la part d’enfant qui est en nous, notre capacité à avoir des fantasmes, d’oublier notre vie monotone, d’avoir un imaginaire aussi riche que possible pour affronter plus facilement la réalité. » Un brin de folie salutaire, mais qui reste néanmoins policé, comme le confirme le psychanalyste : « Sous prétexte de parler d’enfance, on aborde de façon discrète le monde de la folie, de l’absurde. C’est une sorte de pied de nez à la rigueur, aux conventions, mais qui reste acceptable, bien loin, en fait, des contes de fées, souvent considérablement plus cruels et proches de la vraie vie ou même de ce que peut livrer dans les rêves, notre inconscient. » Un brin d’évasion donc, mais aux antipodes du vraiment dérangeant, qui ne pouvait que séduire le plus grand nombre. Du pain bénit pour Tim Burton, cinéaste de l’étrange, mais habitué aux grands succès publics, au point d’être célébré actuellement au Musée d’art moderne de New York. « J’ai toujours adoré Alice au pays des merveilles, affirme-t-il ainsi. Le récit de Lewis Caroll était l’un des rares à fasciner l’enfant que j’étais, pas très porté sur la lecture. » L’oeuvre lui tendait donc les bras, d’autant que selon lui, aucune des adaptations cinématographiques qui en avaient été faites ne lui avaient plu ; le dessin animé mythique sorti aux débuts des années 50 étant même à ses yeux complètement dépourvu de charge émotionnelle.

La folie Tim Burton

Qu’à cela ne tienne, la machine Tim était lancée, dès lors que les studios Disney étaient venus le trouver, armés, si cela ne suffisait pas, de l’argument 3D. Et au final, force est de constater que le pari est plus que réussi. Pourtant, au vu du battage médiatique fait autour de l’affaire, on pénètre dans la salle de projection presque de mauvaise grâce, et ce n’est rien en comparaison de la façon dont on reçoit les lunettes nécessaires au visionnage. Mais ensuite, très vite, les réticences s’envolent comme par magie. On est immergés en un clin d’oeil dans l’histoire, et qu’importent les fâcheux qui conspuent l’indigence du scénario. On se prend des volutes de fumée et des papillons dans la tête, on adore la reine méchante interprétée par une fantastique Helena Bonham Carter, Alice est notre soeur, le loir est choupinou et Johnny Depp qui en fait des caisses est juste sublime. « J’ai voulu reprendre le principe des histoires de Lewis Caroll et leur donner une forme qui, sans respecter à la lettre ses oeuvres, en conserve l’esprit et le ton », explique Tim Burton. Et cela est réussi au point qu’on peut parier sur un succès phénoménal encore accru par l’intelligence avec laquelle le marketing lié au film a été géré. Nathalie Chouraqui, directrice associée de Kazachok*, agence de communication et de conseil dédiée au marché du licensing de marque décrypte : « Les studios Disney ont positionné toute l’offre produits sur l’image de Tim Burton. Ils ont extrêmement bien travaillé la marque en choisissant de s’associer à des enseignes triées sur le volet et choisies en fonction des différents pays. Les objets qui en ressortent sont estampillés “haut de gamme”, mais ne sont pas inaccessibles ; ils sont gentiment branchés et définitivement tournés vers les jeunes femmes, voire les femmes. Une belle stratégie. » La machine est bien huilée, donc, et vous pourriez être tentés de ne pas tomber dans ses pièges, puisque ce serait adhérer aux fantasmes antiques d’un vieux révérend anglais un brin déviant, à un cinéaste qui n’a plus rien à prouver, d’autant qu’il présidera notre prochain Festival de Cannes, à un Johnny Depp une fois de plus perruqué, à des acteurs qui ont tourné sur un fond vert pendant des mois, à une petite héroïne mignonne et blondinette, à un scénario simplissime et à un plan marketing sans faille. Et pourtant, rien n’y fera, vous irez, vous sortirez un brin sonnés et, pire que tout, vous aimerez. Bon film ! Grands enfants, va.